Criticas a la obra "El Grito"
Críticos:
Señala el especialista Jon-Ove Steihaug en uno
de los textos que acompañan el catálogo de la exposición que, efectivamente, El
grito goza de tanta popularidad, que ha llegado a eclipsar el resto de la
obra de Munch. “Se ha convertido en un símbolo universal de la angustia y
la alienación del hombre moderno. Es llamativo y se entiende con facilidad,
pero su fama –incrementada por varios robos y por los precios récord que ha
alcanzado en las subastas– hace que se preste al comentario general y a su
reutilización en la cultura popular en todas sus manifestaciones, desde el cine
de terror hasta el cómic…”
Lamenta el crítico la reducción y la simplificación
de la obra del autor, al tiempo que matiza algunos mitos largamente aceptados
que el propio pintor contribuyó a alimentar, así su imagen de hombre
“depresivo, enfermo, alcohólico, solitario y psicológicamente perturbado que
tuvo una infancia desgraciada y odiaba a las mujeres”. Nos dice Ove-Steihaug
que, pese a que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era
muy pequeño; que pese a que él siempre tuvo una salud frágil y un carácter
introspectivo y de exacerbada sensibilidad –factores que le condujeron a
su particular concepción del arte– Munch llegó a los ochenta años y se
convirtió en “un artista empresario muy productivo y de gran éxito que
consagró fervientemente su vida a lo único que consideraba su verdadera misión:
crear una obra de gran altura y ser respetado como artista”.
De acuerdo con David Jackson, profesor de historias de
arte rusas y escandinavas en la Universidad de Leeds, en Inglaterra, estas
cualidades les permiten a personas con poco conocimiento del arte expresionista
relacionarse con lo que fue, cuando se reveló por primera vez, una obra
vanguardista.
"Es bastante catártica", dice. "Todos se
sienten identificados. Todos nos hemos sentido solos y desesperados en algún
momento de nuestras vidas".
"Creo que esta obsesión por observar cosas que nos
molesten es una parte fundamental de la condición humana. Si usted va a algunas
librerías encontrará todos estos libros en venta sobre niños abusados. Todo el
mito y la industria alrededor de Vincent van Gogh están basados en lo
mismo".
Obra de Francis
Bacon
El Grito influenció la obra del pintor irlandés Francis
Bacon.
De pronto por esta razón, la influencia de El grito en el
arte moderno ha sido considerable, como se puede notar en la serie de papas que
gritan de Francis Bacon, el Guernica de Picasso y, por supuesto, las
estampaciones de seda del trabajo de Munch, por Andy Warhol.
La cultura popular ha abrazado esta iconografía, desde la
máscara en las películas Scream, de Wes Craven, hasta los villanos alienígenas
The Silence, en Doctor Who -basados en la obra de Munch-.
El propio Munch fue el primero que produjo esta imagen en
grandes cantidades. Creó cuatro versiones -dos pinturas y dos con una técnica
de pastel- entre 1893 y 1910, además de una litografía.
Pero no todos en el mundo del arte están felices con su
ubicuidad.
Rachel Campbell-Johnston, crítico de arte en el periódico The
Times, no es muy aficionada.
La popularidad de El grito, cree, proviene de una
tendencia que entiende formas de arte descritas de antemano con adjetivos como
"tenso", "oscuro" y "perturbador" como superiores
a aquellas que son ligeras y alegres.
De hecho, ella hace una analogía con un adolescente que
escucha música alterada y depresiva en su habitación antes de aprender, a
medida que crece, a apreciar un compositor como Bob Dylan, que maneja emociones
más sutiles y complejas.
"El Grito es casi infantil en su franqueza",
dice. "Lo que uno recibe de ese cuadro no es algo que se vuelva más
profundo con el tiempo".
"Es llamativo para un gusto inmaduro. A medida que
uno crece, uno quiere algo diferente: un arte que transforma el día a día y no
el que va a los extremos de las emociones humanas".
Lo que no está en duda es que las emociones expresadas
por Munch en su serie de El grito son totalmente auténticas. Atormentado por
pensamientos sobre el suicidio y agobiado por una tragedia familiar, el
desespero reflejado en la obra de arte es el desespero propio del artista.
Para Sue Prideaux, autora de una biografía de Munch, es
imposible ignorar el contexto más amplio de la imagen: una sensación extendida
de desasosiego durante el final del siglo XIX, cuando las obras de Darwin y
Nietzsche carcomieron viejas costumbres y tipos de fe.
Fue la habilidad de Munch para combinar lo puramente
personal con lo universal lo que hace que su obra más famosa haya perdurado,
dice.
"Los sentimientos expresados en la obra fueron
extremadamente subjetivos de parte de Munch", asegura.
"Pero como ese cráneo tiene esencialmente las
características de cualquiera, todos podemos proyectar nuestros sentimientos en
él".
Sin embargo, hay evidencia que sugiere que el vínculo
extendido hacia el arte que transmite sentimientos de desespero y horror es más
que simplemente una preferencia estética.
El sicólogo Eugene McSorley, de la universidad de
Reading, en Reino Unido, ha realizado estudios que rastrean los movimientos de
los ojos de las personas cuando se les muestran imágenes desagradables, como
víctimas de hambrunas, personas con heridas de bala, cadáveres.
"Parece muy difícil que las personas repriman o
ignoren estas imágenes", dice McSorley. "Les parece muy difícil no
mover sus ojos hacia ellas".
"Se podría especular que esto nos da una ventaja
evolutiva para detectar cosas que nos van a herir o matar. O se podría
argumentar que estas emociones básicas son más fáciles de reconocer que otras
que son más complejas".
Tal conclusión es combustible para los críticos que se
lamentan de la falta de sutileza de El grito, así como para aficionados que
celebran su universalidad catártica.
Más allá del bando en el que usted caiga, es irrefutable
que ese llanto de la figura esquelética continúa vigente en la imaginación
popular.
Dª Paloma Alarcó
Jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo
Thyssen-Bornemisza, Madrid. De 1982 a 1991 trabajó en el Centro Nacional
de Exposiciones del Ministerio de Cultura y en varios proyectos investigación
de arte español contemporáneo.
Desde 1991 es conservadora del Museo Thyssen teniendo a su cargo el departamento de Pintura Moderna y el comisariado de exposiciones. Sus últimas publicaciones son: el catálogo razonado Museo Thyssen-Bornemisza. Pintura Moderna (2009), la edición de Claude Monet. Correspondencia. Los años de Giverny (2010) y Museo Thyssen-Bornemisza. Obras escogidas (2011 Se ha dedicado de manera especial a los primeros años de la modernidad y al retrato de de la era moderna.
Entre los últimos proyectos que ha comisariado en el Museo Thyssen-Bornemisza se encuentran: Kokoschka, Max Schmidt, Adolf Loos y sus amigos (2001); El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso (2007; Otto Dix. Retratos de Hugo Erfurth (2008); Monet y la abstracción (2010) y Viaje a lo exótico. Homenaje a Gauguin (otoño 2012).
Desde 1991 es conservadora del Museo Thyssen teniendo a su cargo el departamento de Pintura Moderna y el comisariado de exposiciones. Sus últimas publicaciones son: el catálogo razonado Museo Thyssen-Bornemisza. Pintura Moderna (2009), la edición de Claude Monet. Correspondencia. Los años de Giverny (2010) y Museo Thyssen-Bornemisza. Obras escogidas (2011 Se ha dedicado de manera especial a los primeros años de la modernidad y al retrato de de la era moderna.
Entre los últimos proyectos que ha comisariado en el Museo Thyssen-Bornemisza se encuentran: Kokoschka, Max Schmidt, Adolf Loos y sus amigos (2001); El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso (2007; Otto Dix. Retratos de Hugo Erfurth (2008); Monet y la abstracción (2010) y Viaje a lo exótico. Homenaje a Gauguin (otoño 2012).
“La escena de El grito se desarrolla durante un
encendido atardecer en la colina de Ekeberg, junto al fiordo de Kristiania
(Oslo), adonde solían ir de excursión los habitantes de la ciudad, pero ese
bello lugar de esparcimiento se transforma en un escenario en el que el orden
racional se desintegra y se vuelve destructivo. La siniestra figura humana en
primer plano, con la cabeza en forma de calavera y una mueca de terror, busca
desesperadamente nuestra mirada, mientras se tapa los oídos para no escuchar el
estridente grito que agita el estremecedor espectáculo de su alrededor”,
escribe Paloma Alarcó, comisaria de la muestra, en el catálogo que la
acompaña.
Entre los textos que nos legó el artista, como no podía
ser de otro modo, adquiere especial relevancia el dedicado a El grito. También,
en su sencillez, en su tono de cuento, es una de las composiciones más bellas
del conjunto. Munch se limita a narrar, a describir lo que pasa en el cuadro.
Nos dice que paseaba por el camino con dos amigos y que de pronto el cielo se
tornó rojo sangre. Nos dice que se apoyó sobre la valla, temblando de angustia
y sintiendo que “un inmenso grito infinito recorría la naturaleza”.
Alarcó sitúa la pintura en el contexto de su época,
durante la segunda mitad del siglo XIX, cuando “el nuevo ambiente urbano,
abarrotado por las masas, transformó el modo en que el hombre moderno percibía
su relación con el mundo. La angustia, la ansiedad y la incertidumbre
sustituyeron súbitamente a los viejos ideales y convicciones…”, nos dice. En un
presente donde el desasosiego y la preocupación ante el inmediato futuro se han
acentuado, la figura aterrada de Munch nos retrata, nos representa,
incapaces de silenciar el grito, los gritos múltiples de las sociedades que
habitamos, por mucho que queramos esconder la intranquilidad, la urgencia, el
malestar, tras el brillo de nuestras pantallas de ordenador y el espectáculo
diario en que se han convertido las noticias.
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